Christoph Hänsli: Stützpunkt

Galerie Peter Kilchmann

Zahnradstrasse, Zurich

March 1: Walk-through with Christoph Hänsli and Franziska Stern-Preisig, March 1, 6 - 8 pm

Overview
Christoph Hänsli
Stützpunkt

 

Jan. 12 - March 09

Opening: Thursday, January 11, 6 - 8 pm

Zahnradstrasse 21, Zurich

Walk-through with Christoph Hänsli and Franziska Stern-Preisig, March 1, 6 - 8 pm

 

Galerie Peter Kilchmann is pleased to announce the first solo exhibition Stützpunkt (Base Point) by Swiss artist Christoph Hänsli (*1963 in Zurich, where he lives and works) at the gallery's premises at Zahnradstrasse - a tour through a cabinet of curiosities full of forgotten or simply overlooked everyday objects, which are therefore particularly captivating. The current exhibition is linked to the group exhibition Four Positions in Painting in our gallery in 2022, in which several of the artist's works were already on display. Since the beginning of Hänsli’s artistic career the ''thing'' has been at the center. The artist turned to figurative painting at the end of the 1980s and has dedicated himself to it ever since. With his Popcorn series from 1992, Hänsli ultimately decided to reproduce every painted object on a scale of 1:1, a practice to which he has remained committed to this day. His ‘’thing portraits’’ emerge from a multitude of layers of colour and give a voice to found or newly discovered objects. Hänsli's works, which lie somewhere between conceptual art, realism, and pop art - if you want to try and categorize them as ''-isms'' - are factual and have a documentary approach at first glance, but are deeply subjective at second glance, interwoven with melancholy with a slight, subliminal, humorous twist. Thus, Hänsli creates a play, a dance between the presence and absence of things and humans.

 

 

Stützpunkt (Base Point) sends us on a journey to discover three different rooms filled with meaningful objects which have been transformed using acrylic, oil or egg tempera on canvas, cardboard, or paper. Newly produced works that have never been shown before are juxtaposed to a few earlier works. Thereby the leitmotifs of Hänsli's work are even more visible. In the foyer, the exhibition begins with a single, small- format work that simultaneously announces it: Rundgang (Round Tour, 21 x 52 x 1.5 cm), underlined by an arrow pointing from left to right, depicted in black acrylic paint on canvas and mounted on MDF, mimicking a signpost - clearly the beginning. On the reverse, however, is the same motif: each time the sign is turned, the arrow always points in the same direction. The artist's interest in typography, language and the multi-layered meaning of words has traversed his oeuvre throughout the years.

 

 

The first room reveals a universe of painted relicts from our civilization which recount the attempt to construct (human) existence. For example, three identically off-white paper plates, which nevertheless harbour differently smeared blobs of mustard sauce, gaze confidently back at us: Bratwurst (Grilled Sausage, 20 x 30 cm each). This three-part, minimalist series captures the strange beauty of a moment to which we usually pay little attention. The sausage and the human being become present in their absence. Bratwurst is joined by the Currywurst series (Curry Sausage, 20 x 30 cm, each), an eight-part work that shows remnants of ketchup-curry sauce on the same uniform cardboard trays. Seemingly insignificant everyday objects gain significance by giving them a platform and putting them in the spotlight through Hänsli's work. Beer glasses, for example, became the protagonists in Weekend Project I (2003) and salt sticks in Weekend Project II (2004).

 

 

On the adjacent wall sprawls a painting of a long-discarded lung ventilator, self-evidently in a lifelike manner: Eiserne Lunge (Iron Lung, 138 x 209 cm). The work can be seen as a readymade that has been re-contextualized through the metamorphosis from three-dimensionality to two-dimensionality and has undergone a loss of function and a change in meaning: A transformation of a cold, technical machine into sensual, poetic painting – the brushstrokes wander across the geometric shapes of the apparatus, slowly and progressively exploring them. The machine's trajectory into sensuality eventually transforms it into its senselessness. This also applies to the work The Generator (2015). Related to the cold and scientific nature of these machines are further works shown within the framework of the exhibition, like the different depicted Feuchtpräparate (Liquid Preserved Specimens) and Nasspräparte (Wet Preserved Specimens) and Herbarium, Lauch (Herbarium, leek, 210.5 x 103.5 cm).

 

Frontally portrayed, closed facades convey emotions of hope, desire, promise and especially the urge for answers: What is hiding behind closed doors? To this question, Hänsli deliberately gives us no answer through his paintings of closed coverages in the second room. For example, we encounter the works Tresor (Safe, 49.5 x 43.5 cm), Rote Klappe (Red flap, 65.5 x 85.5) or Milchkasten (Parcel box, 54 x 43.5 cm), all paintings of closed doors, of exteriors. The artist does not want to show us what lies behind them, but rather wants us to explore the surface of these objects, these screens. Further the painted offertories focus additionally on the supposed salvific effect of words. The curiosity of what lies concealed is potentiated by Hänsli's method. For the artist, a thing is never just a thing. Hänsli paints objects in order to be able to see them properly, in particular to make them tangible for himself. Paintings and especially representations of vessels always function as containers for content, narratives or traditions that are inscribed into the surfaces by both the artist and the viewer. Also, in this section are works that center text fragments, such as Fernsehparty (TV Party, 18 x 13 cm) or Grosser Unterschied (Big Difference, 18 x 12 cm): once important letters that have lost their relevance over time and have become indifferent. Vermisst (Missing, 34.5 x 26.5), an oeuvre from the first room, can also be seen in this context. Is the cat Lua for instance still missing or has it been long forgotten? Language and texts also act as storage tools and are at the same time whirring, transient constructs, gaining a new dimension of eternity in the artist's painting.

 

 

Eventually, the beginning and the end, the fragility of human existence and its disappearance are scrutinized more intensively: pleasure and comfort are closer together than one might think. Pommes (24 x 76 cm) is a work that evokes this very word in black letters on a potato-brown background. It is a sequence of letters that reminds the viewer of the promising flavour of this delicacy - the potato dish, however, is present by its absence. Marlies (24 x 40 cm) is the first "full-body portrait" of a person in Hänsli's oeuvre: a mountain of tipped-out ashes. Hänsli's serious humor is hidden, approaching the work carefully and respectfully. It encourages us to discard old patterns of perception and to approach things that we would otherwise not have considered ''image-worthy'' with unexpected curiosity. The work Krippe (Crib, 52 x 80 cm), which shows the fresh imprint of a living creature, is also part of this iconography. Triptychon (20 x 26 cm; 26 x 20 cm; 20 x 29 cm) depicts objects that can automatically evoke memories when viewed. For example, as small and ordinary as a toadstool decoration can be, we have probably looked past it instead of really looking at it.

The end (of the round tour) is known to be followed by the epilogue, in Hänsli's case the work Gruppentreffpunkt (Group meeting point, 32.5 x 76 cm): What if nobody meets at the group meeting point? High expectations are attached to this work. This painting has been created shortly before the pandemic in 2020 and has therefore never been shown before - an ironic turn of events that Hänsli could not have planned better.

 

 

Christoph Hänsli's work has been shown in solo and group exhibitions since 1989. Past exhibitions have been presented in the following institutions (selection): Zürcher Kantonalbank, Collection Presentation (2023), Kunsthaus Zürich (2022); Judin, Berlin (2022/2018); Kunst(Zeug)Haus, Rapperswil (2021); Villa Renata, Basel (2020); Last Tango, Zurich (2019); Grand Palais, Bern (2016) and Helmhaus, Zurich (2012). Works by the artist can be found in numerous public collections, such as the art collection of the City of Zurich, the Bob and Kathrin Gysin Foundation, Zurich, the art collection of the Zürcher Kantonalbank, the collection of the Swiss National Bank, the collection of Peter and Elisabeth Bosshard - Stiftung Kunst(Zeug)Haus, Rapperswil, the Helvetia art collection, Basel and the Swiss National Library.

 

 

For further information please contact: Fabio Pink (fabio@peterkilchmann.com)

 

Die Galerie Peter Kilchmann freut sich, die erste Einzelausstellung Stützpunkt des Schweizer Künstlers Christoph Hänsli (*1963 in Zürich, wo er lebt und arbeitet) in den Räumlichkeiten an der Zahnradstrasse – ein Rundgang durch eine Wunderkammer voller alltäglicher, vergessener oder einfach zu übersehender und gerade deshalb faszinierender Gegenstände anzukündigen. Sie knüpft damit an der Gruppenausstellung Four Positions in Painting in unserer Galerie im Jahr 2022 an, in der bereits eine Reihe von Arbeiten des Künstlers zu sehen waren. Seit Beginn Hänslis Schaffens steht das ‘’Ding’’ im Vordergrund. Der figurativen Malerei hatte der Künstler sich Ende der 1980er Jahre zugewandt und sich ihr seitdem verschrieben. Mit seiner Popcorn-Serie aus dem Jahr 1992 entschloss Hänsli sich endgültig dazu, jedes gemalte Objekt in einem Massstab von 1:1 wiederzugeben, eine Praxis, der er bis heute treu geblieben ist. Aus einer Vielzahl von Farbschichten heraus entstehen seine Ding-Porträts und geben gefundenen oder neu entdeckten Gegenständen eine Stimme. Hänslis Werke zwischen Konzeptkunst, Realismus und Pop Art – wenn man dem Versuch nachgehen möchte, sie in ‘’-ismen’’ zu kategorisieren – sind auf den ersten Blick faktisch und dokumentarisch, auf den zweiten zutiefst subjektiv, durchwoben von Melancholie mit einem leichten, unterschwelligen, humorvollen Twist. Und so erschafft Christoph Hänsli ein Spiel, einen Tanz zwischen der Präsenz und Absenz von Ding und Mensch.

Stützpunkt schickt uns auf eine Entdeckungsreise durch drei verschiedene Räume, gefüllt von bedeutungsaufgeladenen, durch Acryl, Öl oder Eitempera auf Leinwand, Karton oder Papier verwandelten Objekte. Neu produzierte und noch nie gezeigte Arbeiten begegnen wenigen älteren Werken. Dadurch werden die roten Fäden Hänslis Schaffen nochmals sichtbarer. Im Foyer beginnt die Ausstellung mit einer einzigen, kleinformatigen Arbeit, die diese gleichzeitig ankündigt: Rundgang (21 x 52 x 1.5 cm), unterstrichen von einem Pfeil von links nach rechts zeigend, dargestellt in schwarzer Acryl-Farbe auf Leinwand und auf MDF montiert, einen Wegweiser mimend – deutlich der Anfang. Auf der Rückseite befindet sich jedoch das gleiche Motiv: Bei jeder Drehung des Schilds, zeigt der Pfeil immer in dieselbe Richtung. Das Interesse an Typographie, an Sprache und der vielschichtigen Bedeutung von Wörtern durchzieht das Oeuvre des Künstlers seit vielen Jahren.

 

 

Der erste Raum eröffnet uns ein Universum von gemalten Relikten aus unserer Zivilisation, die vom Versuch erzählen, die (menschliche) Existenz zu gestalten, aber auch davon, Zeit totzuschlagen. So schauen uns zum Beispiel drei identisch papierweisse Pappteller, die jedoch unterschiedlich verschmierte Senfsaucen-Kleckse beherbergen, selbstbewusst entgegen: Bratwurst (je 20 x 30 cm). Diese dreiteilige, minimalistische Serie fängt die merkwürdige Schönheit eines Moments ein, dem wir meist wenig Bedeutung schenken. Die Wurst sowie der Mensch werden durch ihre Abwesenheit anwesend. Zu Bratwurst gesellt sich die Serie Currywurst (je 20 x 30 cm), eine achtteilige Arbeit, die auf den gleichen, uniformen Kartonschalen Überbleibsel von Ketchup-Currysauce zeigt. Scheinbar nebensächliche und alltägliche Dinge gewinnen an Bedeutung, indem Hänsli ihnen eine Plattform gibt und sie ins Rampenlicht rückt. Biergläser wurden beispielsweise im Weekend Project I (2003) und Salzstangen im Weekend Project II (2004) zu den Protagonisten.

An der angrenzenden Wand erstreckt sich – selbstverständlich naturgetreu – das Gemälde eines schon längst ausrangierten Beatmungsgeräts, die Eiserne Lunge (138 x 209 cm). Sie kann als ein Readymade betrachtet werden, das durch die Metamorphose von der Dreidimensionalität in die Zweidimensionalität neu re-kontextualisiert wurde, einen Funktionsverlust und eine Bedeutungsveränderung erfahren hat: Eine Verwandlung einer kühlen, technischen Maschine in sinnliche, poetische Malerei – die Pinselstriche wandern über die geometrischen Formen der Apparatur und tasten diese langsam und fortschreitend ab. Der Weg der Maschine in die Sinnlichkeit überführt sie endgültig in ihre Sinnlosigkeit.

 

Mit der Arbeit Der Generator (2015) geschah dies ebenso. Verwandt mit der Kühle und Wissenschaftlichkeit dieser Maschinen sind auch die gemalten Nass- und Feuchtpräparate und das Herbarium, Lauch (210.5 x 103.5 cm) aus dieser Ausstellung. Frontale, geschlossene Fassaden transportieren Emotionen von Hoffnung, Wunsch, Versprechen und insbesondere den Drang nach Antworten. Was versteckt sich hinter verschlossenen Türen? Das ist eine Frage, auf die uns Hänsli bewusst durch seine Malereien von geschlossenen Abdeckungen im zweiten Raum keine Antwort gibt. So begegnen uns zum Beispiel die Arbeiten der Tresor (49.5 x 43.5 cm), die Rote Klappe (65.5 x 85.5) oder der Milchkasten (54 x 43.5 cm): Gemälde von geschlossenen Türen, von Aussenseiten. Der Künstler möchte uns nicht zeigen, was dahinter ist, sondern er möchte uns die Oberfläche dieser Gegenstände, diese Sichtblenden erkunden lassen. Die Malereien der Opferstöcke nehmen zusätzlich die vermeintliche Heilswirkung von Wörtern in den Blick. Die Neugier des Dahinter wird durch Hänslis Methode potenziert. Bei ihm ist ein Ding nie nur ein Ding. Christoph Hänsli malt Objekte, um sie erst richtig sehen zu können, sie insbesondere für sich selbst erfahrbar zu machen. Bilder und gerade Abbildungen von Behältnissen fungieren immer als Container für Inhalte, Narrationen oder Traditionen, die sowohl vom Künstler wie auch von den BetrachterInnen in die Oberflächen eingeschrieben werden. Ebenfalls in diesem Raum befinden sich Arbeiten, die den Fokus auf Textfragmente legen, wie die Fernsehparty (18 x 13 cm) oder Grosser Unterschied (18 x 12 cm): Einst wichtige Schreiben, die mit der Zeit an Relevanz verloren haben und gleichgültig geworden sind. Die Arbeit Vermisst (34.5 x 26.5) aus dem ersten Raum lässt sich ebenfalls dazu zählen. Wird die Katze Lua beispielsweise noch vermisst oder wurde sie schon lange vergessen? Sprache und Texte fungieren als Aufbewahrungsinstrumente, sind gleichzeitig flirrende, vorübergehende Konstrukte und erhalten in der Malerei des Künstlers festgehalten eine neue Dimension der Ewigkeit.

Zuletzt werden Anfang und Ende, die Fragilität der menschlichen Existenz sowie ihr Verschwinden nochmals intensiver befragt: Lust und Trost liegen näher beieinander, als man denkt. Pommes (24 x 76 cm) ist eine Arbeit, die in schwarzen Lettern auf kartoffelbraunem Hintergrund eben dieses Wort heraufbeschwört. Es handelt sich dabei um eine Anreihung von Buchstaben, die den BetrachterInnen den vielversprechenden Geschmack dieser Speise in Erinnerung ruft – das Kartoffelgericht glänzt jedoch in seiner Abwesenheit. Marlies (24 x 40 cm) ist das erste „Ganzkörperporträt“ einer Person im Oeuvre von Hänsli: Ein Berg von ausgekippter Asche. Hänslis ernsthafter Humor ist ein verdeckter, der vorsichtig und respektvoll ans Werk herangeht. Er befeuert uns, alte Wahrnehmungsmuster abzulegen und uns Dingen, die wir ansonsten nicht als ‘’bildwürdig’’ betrachtet hätten, mit unerwarteter Neugier zu begegnen. Die Krippe (52 x 80 cm), die den frischen Abdruck eines Lebewesens zeigt, reiht sich ebenfalls in diese Bildsprache. Triptychon (20 x 26 cm; 26 x 20 cm; 20 x 29 cm) bildet Gegenstände ab, die beim Betrachten automatisch Erinnerungen hervorrufen können. So klein und alltäglich, wie beispielsweise die Fliegenpilzdekorationen sind, haben wir meist an ihnen vorbeigesehen anstatt richtig hingesehen.

 

 

Nach dem Ende (des Rundgangs) kommt bekanntlich der Epilog, bei Christoph Hänsli der Gruppentreffpunkt (32.5 x 76 cm): Was, wenn sich beim Gruppentreffpunkt niemand trifft? Grosse Erwartungen haften an dieser Arbeit. Dieses Werk ist kurz vor der Pandemie im Jahr 2020 entstanden und wurde deshalb bis jetzt noch nie gezeigt – eine ironische Wende, die Hänsli nicht besser hätte planen können.

Seit 1989 ist das Werk von Christoph Hänsli in Einzel- und Gruppenausstellungen zu sehen. Vergangene Ausstellungen wurden unter anderem in folgenden Institutionen präsentiert: Zürcher Kantonalbank, Sammlungspräsentation (2023), Kunsthaus Zürich (2022); Galerie Judin, Berlin (2022/2018); Kunst(Zeug)Haus, Rapperswil (2021); Villa Renata, Basel (2020); Last Tango, Zürich (2019); Grand Palais, Bern (2016) und Helmhaus, Zürich (2012). Arbeiten des Künstlers befinden sich in zahlreichen Sammlungen, beispielsweise in der Kunstsammlung der Stadt Zürich, der Stiftung Bob und Kathrin Gysin, Zürich, der Kunstsammlung der Zürcher Kantonalbank, der Sammlung der Schweizerischen Nationalbank, der Sammlung von Peter und Elisabeth Bosshard – Stiftung Kunst(Zeug)Haus, Rapperswil, der Kunstsammlung Helvetia, Basel und der Schweizerischen Nationalbibliothek.

 

 

Für weitere Informationen kontaktieren Sie bitte: Fabio Pink (fabio@peterkilchmann.com)

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